London och kampen för dess framtid som modenav

1994 reste Dawn Mello, dåvarande president för New Yorks lyxvaruhus Bergdorf Goodman, till London för att delta i stadens modevecka för första gången på fem år. Mello lockades tillbaka till staden av löftet om banbrytande nya namn, inklusive Alexander McQueen, Hussein Chalayan och Antonio Berardi, de första designers som väckte hennes intresse sedan John Gallianos debut nio år tidigare.

Trettio år senare lockar McQueen och Gallianos namn fortfarande folk till London. “En vän till mig sa till mig: ‘Du borde kolla in den här Londonskolan – det är där McQueen och Galliano gick'”, säger designern Chet Lo, som minns hur han kom till beslutet att flytta från New York till London för att studera på Central Saint Martins konstskola 2015.

“Det var enkelt: det var den bästa skolan och också det billigaste alternativet”, säger Lo, som tog examen med en BA i stickat 2020 och nu driver sitt namn med namn i staden. Han stannade på grund av den gemenskap av kamrater som han hittade och på grund av Londons omfattande stödprogram för nya designers. “Det finns så många system för att hjälpa barn som inte vet hur man startar ett varumärke”, säger han.

Los erfarenhet kapslar in vad som har gjort London till en magnet för unga designtalanger under de senaste tre decennierna. Christopher Breward, en modehistoriker och chef för National Museums Scotland, säger att staden har en öppenhet för kreativitet, innovation och upproriskhet som sträcker sig tillbaka till Swinging Sixties och musik- och modesubkulturerna på 1970- och 1980-talen. Det är under dessa decennier som London blev känt som ett centrum för “anti-mode”, en plats full av konst, musik och utrymmen för experiment.

Denna anda firas i Rebel: 30 Years of London Fashionen utställning som öppnar på Design Museum i Kensington den 16 september. Den tittar på Londons inverkan på den globala modescenen såväl som stadens utrymmen som har varit katalysatorer för designers, från dess konstskolor och ateljéer till dess nattklubbar och utställningslokaler.

“En av de riktigt viktiga delarna av en blomstrande modeekologi i en stad är kulturen i staden, som måste vara äkta, måste vara prisvärd, men också måste vara en avantgardistisk kultur, något som driver på gränser, säger Breward. “Under 1980- och 1990-talen var det verkligen klubbkulturen som drev idéer och inspiration [in London].”

Den atmosfären spred sig över de följande två decennierna. Designers som studerade i London under 2000-talets första decennium minns en stad full av energi och möjligheter. “Vid den tidpunkten satte Londonmodet verkligen igång, men också musikscenen var fantastisk – det fanns fantastiska klubbar, bra energi, så många nya saker som hände”, minns den skotske modedesignern Christopher Kane, som tog examen från CSM 2006. ” Det drev människor som mig. Folk letade verkligen efter nya talanger, ny kreativitet.”

Designern Jonathan Saunders, som tog examen från CSM 2002, beskriver ett klimat av kamratskap som gjorde att många kunde frodas, trots sina medel. “Många av oss, vi kom inte från rika familjer och vi hade inte stora investeringar i de tidiga stadierna – vi växte våra företag från ingenting”, säger han. “Vi bytte designers och tillverkare, vi pratade med varandra om hur vi höll ihop det, vi delade tygfabriker, vi delade mötesplatser. Vi slogs inte om varandras marknad; vi försökte skapa vår egen marknad.”

Internationellt är mode i London fortfarande känt för sin ungdomlighet och avantgardistiska stilar, mer än Milano, Paris eller New York. “Inget annat land verkar ha en blandning av fantasi, originell tanke och lyrisk vision”, konstaterar modekritikern Suzy Menkes, som har bevakat brittiskt mode sedan slutet av 1960-talet.

Många krediterar Londons modeskolor – som fokuserar på att utveckla uttrycket för individualism och identitet framför tekniska färdigheter (en process som Lo sammanfattar som: ”De bryter ner dig till dina bara ben och sedan bygger de upp dig igen”) – med uppnåendet av detta rykte.

Likaså erkänner många bidraget från tidiga stödsystem som British Fashion Councils Newgen (etablerat 1993), Fashion East (2000) och Sarabande Foundation (2006), som tillhandahåller finansiering, ekonomisk utbildning och mentorskap för framväxande designers.

Men dagens studenter och unga designers verkar i en stad och ett modesystem som har förändrats radikalt. London har blivit allt mer gentrifierat, med studiohyror som blivit oöverkomliga och universitetsavgifterna ökar. Det finns färre utrymmen för experiment och stadens klubbscen har minskat.

Högre avgifter och kostnader gör designers riskabla, säger Andrew Groves, professor i modedesign vid University of Westminster. “De skuldtyngda studenterna som kommer ut från universitetet i dag är mer benägna att få jobb på Burberry än att starta eget”, säger han.

Framväxten av sociala medier har gett designers nya verktyg för att bygga sina varumärken och kommunicera med nya målgrupper, men det har också ökat konkurrensen om utrymme och uppmärksamhet. Varumärken av alla storlekar förväntas nu verka på en global scen, där märken som ägs av lyxkonglomerat som LVMH, Richemont och Kering dominerar.

Brexit har också försvårat förhållandena för företag. Designers beklagar en ökning av logistik- och fraktkostnader, och utmaningar med att sälja till kontinentaleuropeiska butiker, med tillägget av en tull på 12 procent på de flesta modevaruexporter till EU plus moms. Råvaruanskaffningen från EU har också blivit dyrare, med vissa tyger och garn som kräver betalning av upp till 8 procent respektive 4 procent i tull.

Sedan den fria rörligheten upphörde i december 2020 har färre EU-studenter registrerat sig vid brittiska universitet och färre arbetare från kontinenten har anställts i Storbritanniens tillverkningssektor. Designers säger att tillgången till talanger, från designassistenter till skickliga hantverkare och tillverkare, har försvårats.

“Importtullar, extra skatter, den [declining] modeveckans fotfall, allt har med Brexit att göra”, säger Charles Jeffrey, kreativ chef för Charles Jeffrey Loverboy, ett varumärke som grundades i London 2015 men som nu visas i Milano, där det också har sitt showroom. “Folk känner sig inte lika exalterade över Storbritannien.”

Adam Mansell, vd för UK Fashion and Textile Association, beskriver Brexit som “en oförminskad katastrof för modeindustrin”. “Pre-Brexit London var platsen där man ville etablera ett modeföretag. Så är det inte längre, säger han. “Verkligheten är att människor ser på andra europeiska städer som platser att gå och starta företag, eftersom det är så mycket lättare att handla inom Europa än att handla från Storbritannien till Europa.”

Är allt förlorat för mode i London? “För tillfället borde ingen starta ett modeföretag, men London är ett bra ställe att göra det på om du ska ta risken”, säger designern Priya Ahluwalia, som grundade sitt märke Ahluwalia 2018. Saunders, som nu är baserad i New York, där han leder en designstudio och kreativ byrå, håller med. “London är inrättat för att stödja oberoende varumärken och branschen där, från redaktionell till detaljhandel, har en kultur av att stödja nyhet”, säger han.

Vogue-kritikern Sarah Mower, som gästkuraterade utställningen på Designmuseet, tror på stadens motståndskraft. “Anledningen till att London har blomstrat under de senaste 30 åren trots många ekonomiska och finansiella och politiska upp- och nedgångar är att det är en väldigt öppen stad”, säger hon. Förhoppningen är att det ska fortsätta att vara så, vilket ger utrymme – kulturellt och ekonomiskt – för kreativa att frodas.

“Rebel: 30 Years of London Fashion” pågår från 16 september till 11 februari 2024, designmuseum.org

Ta reda på om våra senaste berättelser först – följ @financialtimesfashion på Instagram